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Este trabajo presenta los resultados de la investigación Imágenes de lo extraordinario: monstruos americanos del siglo XVI, proceso de creación artística desarrollado por los estudiantes del Semillero de Investigación en Artes Visuales (SINAV) del programa de Artes Visuales de la Universidad Nacional Abierta y a Distancia (UNAD) entre 2018 y 2019. Para analizar de manera crítica e histórica la construcción de identidades sobre lo latinoamericano, se tomó como marco de análisis la representación de lo monstruoso en los relatos y las imágenes construidas por los cronistas de Indias en el siglo XVI, los cuales marcaron procesos de marginalización cultural, construcción de subjetividades y dinámicas de poder, y presentaron al habitante americano como una otredad que estaba fuera de los límites de la cultura dominante occidental. Se presentan los postulados teóricos sobre lo monstruoso como marco para el análisis histórico y la creación de obra, con una metodología de trabajo colaborativo y en gran parte virtual. Posteriormente, se exponen algunos resultados de la investigación histórica que dan paso a detallar el proceso de creación de obra que culminó con la exposición de la instalación audiovisual Imágenes de lo extraordinario, así como con una amplia serie de ilustraciones contemporáneas sobre lo monstruoso y un producto digital en formato página web donde se presenta una cartografía de lo monstruoso en América Latina y se recogen las memorias de todo el proyecto. This work presents the results of the research Images of the Extraordinary: American Monsters of the 16th Century, artistic creation process developed by the students of the Research Seedbed in Visual Arts (SINAV, for its initials in Spanish) of the Visual Arts program of Universidad Nacional Abierta y a Distancia (UNAD) between 2018 and 2019. With the objective of analyzing, in a critical and historical way, the construction of identities on Latin American matters, the representation of the monstrous in the stories and images constructed by the chroniclers of the Indies in the 16th century was used as a framework of analysis. These chroniclers marked processes of cultural marginalization, construction of subjectivities and power dynamics, and presented the American inhabitant as an otherness that was outside the limits of the dominant Western culture. The theoretical postulates about the monstrous are presented as a framework for historical analysis and the creation of works, with a collaborative and largely virtual working methodology. Some results of the historical research are then presented, which gives way to detailing the process of creating work that culminated in the exhibition of the audiovisual installation Images of the Extraordinary, as well as a wide range of contemporary illustrations on the monstrous and a digital product in web page format where a cartography of the monstrous in Latin America is presented and the memories of the whole project are collected.

In 'Eros Ideologies' Laura E. Perez explores the decolonial through Western and non-Western thought concerning personal and social well-being. Drawing upon Jungian, people-of-color, and spiritual psychology alongside non-Western spiritual philosophies of the interdependence of all life-forms, she writes of the decolonial as an ongoing project rooted in love as an ideology to frame respectful coexistence of social and cultural diversity. In readings of art that includes self-portraits by Frida Kahlo, Ana Mendieta, and Yreina D. Cervantez, the drawings and paintings of Chilean American artist Liliana Wilson, and Favianna Rodriguez's screen-printed images, Perez identifies art as one of the most valuable laboratories for creating, imagining, and experiencing new forms of decolonial thought. Such art expresses what Perez calls eros ideologies: understandings of social and natural reality that foreground the centrality of respect and care of self and others as the basis for a more democratic and responsible present and future. Employing a range of writing styles and voices-from the poetic to the scholarly-Perez shows how art can point to more just and loving ways of being.

En esta conversación entre la cineasta documental Marta Rodríguez y Pedro Pablo Gómez, antes que hacer un recorrido cronológico por el trabajo la artista, se abordan problemas tranversales que están presentes a lo largo de su obra: el cine documental como modo de representación; la construcción de una metodología del cine documental latinoamericano; el carácter decolonial de la obra de Rodríguez y su compromiso indeclinable durante más de cuatro décadas de acompañar las luchas de campesinos, indígenas y afrodescendientes, entre otros. Y es en este abordaje donde Marta Rodríguez, haciendo uso de una memoria extraordinaria, puede tejer un relato en el que se destaca la ética de la artista y su compromiso indeclinable de denuncia de las injusticias sociales, utilizando las tecnologías del cine, no para hablar por las víctimas, sino para hacer escuchar sus voces y mantener vivas sus imágenes; unas imágenes que interpelan el discurso colonial mediante el cual se ha tejido nuestro relato de nación. Dans cette conversation entre la cinéaste documentaire Marta Rodríguez et Pedro Pablo Gómez, avant d'entreprendre une tournée chronologique de l'œuvre de l'artiste, nous traitons les problèmes transversaux présents tout au long de son travail : le cinéma documentaire comme mode de représentation ; la construction d'une méthodologie du documentaire latino-américain; la nature décoloniale de l'œuvre de Rodríguez et son engagement pendant plus de quatre décennies pour accompagner les luttes des paysans, des indigènes et des Afro-descendants, entre autres. Et c'est dans cette approche que Marta Rodríguez, avec une mémoire extraordinaire, peut tisser une histoire qui souligne l'éthique de l'artiste et son engagement indécelable à dénoncer les injustices sociales, en utilisant les technologies du cinéma –pour ne pas parler en lieu des victimes, mais pour faire entendre leur voix et garder leurs images vivantes. Des images qui contestent le discours colonial par lequel notre récit de nation a été tissé.

La perspectiva de la modernidad/colonialidad provee un encuadre alternativo para los debates sobre la modernidad, la globalización y el desarrollo desde la periferia latinoamericana del sistema mundo moderno colonial. Las ideas que se exponen en el presente artículo, proporcionan un guía de lectura frente a los principales rasgos del entramado conceptual que rodea a este lugar de enunciación del conocimiento. La perspectiva modernidad/colonialidad aporta una reflexión sobre la cultura y diferentes planos de la realidad social y política, nutrida en debates académicos sustentados no desde una perspectiva intra-epistémica, como los discursos críticos europeos, sino desde la mirada de los receptores de los supuestos beneficios del mundo moderno. Se presenta así un contexto para interpretar Latinoamérica, entendida más como un espacio epistémico y de producción de conocimiento, que como una región objeto de conocimientos pre-establecidos.

This dissertation centers on the relationship between art and politics in postwar Central America as materialized in the specific issues of racial and gendered violence that derive from the region's geopolitical location and history. It argues that the decade of the 1990s marks a moment of change in the region's cultural infrastructure, both institutionally and conceptually, in which artists seek a new visual language of experimental art practices to articulate and conceptualize a critical understanding of place, experience and knowledge. It posits that visual and conceptual manifestations of violence in Central American performance, conceptual art and installation extend beyond a critique of the state, and beyond the scope of political parties in perpetuating violent circumstances in these countries. It argues that instead artists use experimental practices in art to locate manifestations of racial violence in an historical system of domination and as a legacy of colonialism still witnessed, lived, and learned by multiple subjectivities in the region. In this postwar period artists move beyond the cold-war rhetoric of the previous decades and instead root the current social and political injustices in what Aníbal Quijano calls the `coloniality of power.' Through an engagement of decolonial methodologies, this dissertation challenges the label "political art" in Central America and offers what I call "visual disobedience" as a response to the coloniality of seeing. I posit that visual colonization is yet another aspect of the coloniality of power and indispensable to projects of decolonization. It offers an analysis of various works to show how visual disobedience responds specifically to racial and gender violence and the equally violent colonization of visuality in Mesoamerica. Such geopolitical critiques through art unmask themes specific to life and identity in contemporary Central America, from indigenous genocide, femicide, transnational gangs, to mass imprisonments and a new wave of social cleansing. I propose that Central American artists--beyond an anti-colonial stance--are engaging in visual disobedience so as to construct decolonial epistemologies in art, through art, and as art as decolonial gestures for healing.

Discursos sobre “raza” y nación en Colombia, 1880-1930 constituye un aporte a la investigación sobre la formación de la nación en Colombia durante los siglos xix al xx. El libro es producto de la investigación de tesis de maestría del autor y se centra en mostrar cómo las elites del país concibieron y, en específico, aplicaron con la legislación y otros recursos políticos y culturales, formas de poder y hegemonía mediante las cuales establecieron su dominio a partir del control social, la higienización -“depuración racial o blanqueamiento de la raza”- y el señalamiento a los grupos que resistieron esas formas arbitrarias de poder desde arriba. La estructura del libro está dividida en una introducción, cuatro capítulos, las conclusiones, la bibliografía y una corta semblanza del autor. El primer capítulo es un análisis metodológico de la “alteridad”, a partir de la perspectiva poscolonial y decolonial; siguiendo a autores de renombre en ese campo, trata de demostrar – lamentablemente de modo uniforme– el carácter cruel y violento del proceso de europeización y de sus valores “irracionales” más recurrentes. Los capítulos del dos al cinco se dedican a sustentar la postura metodológica con un material de fuentes y de análisis sobre el racismo colombiano en los siglos xix y xx.

This important book showcases institutional and private efforts to collect, document, and preserve African American art in American's fourth largest city, Houston, Texas. Eminent historian John Hope Franklin's essay reveals his passionate commitment to collect African American art, while curator Alvia J. Wardlaw discusses works by Robert S. Duncanson, Henry Ossawa Tanner, Horace Pippen, and Bill Traylor as well as pieces by contemporary artists Kojo Griffin and Mequitta Ahuja. Quilts, pottery, and a desk made by an African American slave for his daughter contribute to the overview. The book also focuses on the collections of the "black intelligentsia," African Americans who taught at black colleges like Fisk University, where Aaron Douglas founded the art department. A number of the artists represented were collected privately before they were able to exhibit in mainstream museums.

Interview with author, Dr. Laura Pérez, Professor of Ethnic Studies at UC Berkeley on her most recent book, Eros Ideologies: Writings on Art, Sprituality, & the Decolonial.